• La Cabane est d’abord et avant tout un roman écrit par le canadien William P Young qui, incroyablement pour un livre à thématique chrétienne, est devenu un best-seller assez phénoménal. C’est ainsi, par exemple, qu’il resta sur la liste des best-sellers du New York Times pendant 70 semaines. On peut considérer qu’il est même devenu une sorte de phénomène publicitaire avec des croyants achetant des dizaines d'exemplaires pour les offrir. Publié dans 40 langues et vendu à 22 millions d'exemplaires, il était inévitable qu'un jour La Cabane finisse sur grand écran… Le moment est arrivé, bien que le grand écran se réduise à une sortie DVD dans plusieurs pays dont la France. 

    LA CABANE

    Le film, très bien interprété, a un casting plutôt classe avec notamment Sam Worthington (le héros d'Avatar ou, plus récemment l’un des acteurs principaux de Tu ne tueras point) et la géniale Octavia Spencer (oscarisée pour La couleur des sentiments, où plus récemment l’une des Figures de l’ombre). Le film reprend globalement le roman avec quelques adaptations, racontant l'histoire de Mack dont la fille de huit ans est enlevée et assassinée. Cette tragédie l'éteint émotionnellement et cause de nouvelles souffrances dans la famille. Puis, un jour où sa famille est absente, il est invité à rencontrer Dieu dans « la cabane » où la robe sanglante de sa fille avait été retrouvée après son enlèvement. Le reste du film raconte la rencontre de Mack et sa discussion avec Dieu en particulier sur la nature du mal et sur le pardon.

    C’est sans doute là, d’ailleurs, sur ces thématiques du pardon, de la guérison intérieure, de notre rapport au mal ou encore des récriminations que nous pouvons faire à Dieu que se situent les vrais intérêts du film. Il devient un excellent support de discussion, de débat. On peut aisément imaginer une utilisation en groupe de jeunes ou même avec des amis pour aborder ces questions difficiles. Autres sujets passionnants que le ciel, l'enfer et le salut et la façon dont nous voyons/imaginons Dieu, comment notre spiritualité, notre piété peut être directement affectée par ces images personnelles. Et là encore, La Cabane peut stimuler la discussion avec des ouvertures multiples et très intéressantes. On pourra souligner justement que les opinions sur ces questions théologiques peuvent diverger, et parfois violemment. Le livre avait déjà à sa sortie susciter de vives critiques de certains milieux évangéliques. Mais, en même temps, pourquoi ne pas y voir là matière à réflexion et support pour confronter avec bienveillance ces opinions. Sur tous ces aspects, comme le livre le permettait déjà, le film sera sans doute d’une grande utilité avec l’avantage de pouvoir être regardé collectivement.

    Et puis s’ajoute inévitablement l'aspect émotionnel qui est efficace. Comment ne pas se laisser emporter dans l’histoire qui, d’une façon ou d’une autre, nous concerne tous et vient faire écho à des histoires personnelles ou proches ? Et l’émotion est un élément important dans le visionnage d’un long métrage. Alors sur ce point La Cabane touche là où il faut. Les points forts du film sont donc aussi ceux qui étaient présents dans le livre éponyme. 

    Mack et Dieu

    Mais ce n’est plus simplement à livre à lire, à imaginer… la caméra est passée par là… et il faut donc aussi le dire, La Cabane n’est pas que pure réussite et on peut comprendre que la sortie française se limite hélas à l’édition et la vente de DVD. Une certaine déception générale avec l’observation d’un vrai manque de relief dans la réalisation et le scénario. Il est peut être bon de rappeler que l’adaptation d’un roman sur grand écran nécessite une ré-écriture, et qu’une bonne et belle histoire ne garantit en rien d’un bon film. Occasion aussi de dire ici que dans le cas d’une adaptation cinématographique d’un roman, il est toujours nécessaire de l’aborder avec un certain détachement par rapport au livre sous peine d’être nécessairement frustré. C’est donc ainsi qu’après avoir apprécié le livre je me suis installé devant mon écran de télévision. Mais néanmoins, le ton très "monotone" au sens d’une certaine uniformité globale, une certaine platitude me laisse sur ma faim. Regret d’une absence d’envolées dans les expressions des personnages qui ne sont pas à incriminer directement car enfermés dans un scénario trop gentil et manquant d’audace (qui pourtant était au cœur du livre). Comment, par exemple, accepter qu’une mère venant d’apprendre la disparition de sa petite dernière console gentiment le mari perclus de culpabilité sans que la colère légitime ne vienne s’immiscer, et qu’en plus elle le laisse aller tout seul sans réagir ? Ce n’est bien sûr qu’un exemple mais qui laisse comprendre une fragilité du scénario et de la réalisation. Même la bande son, qui comprend pourtant des titres de Hillsong United, de Francesca Battistelli, Skillet, Lecrae ou NEEDTOBREATHE ne sauve pas cette monotonie et a même tendance à l’amplifier. Vraiment dommage ! Et donc au final un gentil film aux côtés parfois un peu kitch, entre téléfilm et cinéma…

    Mais en toute chose, gardons ce qui est bon, alors n’hésitez pas, faite vous votre propre avis et encore une fois, utilisez-le pour ses points positifs sans y chercher le nouveau joyau du 7ème art ! 

     

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  • Après la quinzaine cannoise, choisir de se faire un blockbuster peut s’avérer bien sympathique. Mais dans le genre, on peut vite être aussi déçu… ou étonnamment surpris et séduit. Wonder Woman, la divine amazone de la franchise DC Comics revient pour deux heures d’aventures trépidantes réalisées par Patty Jenkins… et ça le fait !

    Cette Wonder Woman est sortie de l’univers des BD originelles et se situe bien loin de l’incarnation de Linda Carter dans les années 70 qui s’évertuait à sauver le monde en faisant irrémédiablement et frénétiquement la toupie. Ici nous découvrons l’histoire de Diana Prince, alias Wonder Woman, interprétée par la splendide actrice et mannequin israélienne Gal Gadot. 

    affiche wonder woman

    Diana, qui a grandi choyée et protégée par sa mère Hippolyte sur Themiscyra, mais qui a toujours voulu devenir une guerrière, prend brutalement conscience du cauchemar qui frappe le monde des hommes lorsque vient s’écraser sur l’île l’avion de l’espion Steve Trevor. Convaincue que la guerre est provoquée par Arès, le Dieu de la Guerre, Diana décide de quitter son foyer et son havre de paix en compagnie de Steve afin de le vaincre. En chemin, elle se retrouve non seulement confrontée aux horreurs de la guerre mais aussi aux ambiguïtés de la nature humaine.

    Wonder Woman ne s’enfonce pas dans les clichés possibles et souvent pathétiques de nombreux films de super-héros, en particulier chez DC Comics. Il mêle au contraire habilement au genre fantastique des aspects mythologiques, de superbes scènes de batailles épiques génialement orchestrées, beaucoup d’humour bien placé et une certaine gravité qui conduit même à une éloge de l’amour et du sacrifice. Si la beauté de Diana Prince est ce qui éclate au premier regard, on découvre vite qu’elle respire surtout la bonté et la compassion. Comme bon super-héro qui se respecte, son combat se joue naturellement contre l’injustice et dans la protection des innocents. Mais en utilisant le contexte de la Première Guerre Mondiale, qui, précisons-le là, est particulièrement bien rendu, la réalisatrice Patty Jenkins confronte la naïveté de sa jeune héroïne tout fraîchement sortie de son cocon douillet à la brutalité du monde réel et à ses horreurs pour l’amener à découvrir la place qu’elle peut ou doit y occuper.

    Diana et Steve Wonder woman

    On appréciera que ses paroles et ses actes fassent doublement mouche en apportant du bien mais en changeant aussi les mentalités autours d’elle. Diana devient une locomotive. Le faible reprend courage, le pessimiste recommence à y croire… Progressivement et dans l’action, elle découvre, pour sa part, sa véritable identité et comprend sa mission. Vous le devinerez sans doute, derrière ces remarques se profilent de nombreuses analogies pouvant nous conduire dans une réflexion bien plus profonde que le simple divertissement. Alors laissez vous tenter, et pourquoi pas y aller en famille pour passer un super moment et en discuter ensemble à la sortie.


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  • Un titre qui ne nous conduira pas vers l’œuvre magnifique de Raoul Peck mais vers une fiction qui fait grand bruit tant par le succès qu’elle rencontre que par son sujet et la façon de le traiter. Get out est le premier film réalisé par Jordan Peele.

    GET OUT Visuel

    Jordan Peele, n’est pas forcément un nom très connu de ce côté de l’Océan, mais il faut savoir qu’il est l’un des rois de la comédie américaine et la moitié du duo comique Key & Peele (avec Keegan-Michael Key) qui a notamment fait hurler de rire des milliers d’Américain(e)s grâce à des sketchs diffusés pendant l’émission de télévision culte Saturday Night Live. Alors un comique US qui devient réalisateur… on s’attend généralement à de l’humour bien « lourd » mais là… surprise… c’est un Thriller qui nait de son imagination, allant même jusqu’à être qualifié (de façon un peu excessive) de film d’horreur. Dans le fond, en y réfléchissant de plus près, peur et rire sont souvent des voisins très proches qui peuvent même cohabiter assez facilement, et c’est d’ailleurs ce que l’humour de Key & Peele recherche souvent en jouant sur l’absurde au point d’en être quasiment dérangeant. En allant juste un peu plus loin, vous provoquez un malaise angoissant qui tient le public en haleine. Get out est précisément construit de la sorte.

    Pour ce qui est du scénario, l’histoire de Get out est finalement assez simple. Chris, un photographe afro-américain, sort depuis quelques mois avec sa petite amie, Rose, qui elle est blanche. Arrive le jour où il va rencontrer ses parents pour la première fois à l’occasion d’un week-end dans leur résidence à la campagne. Sauf qu’une fois sur place, Chris se rend compte qu’au-delà du racisme ordinaire auquel il s’est malheureusement préparé, quelque chose ne tourne pas rond. L’endroit lui semble hostile… et tout devient de plus en plus étrange. 

    GET OUT couple voiture

    Get out résonne comme une métaphore de l'esclavage, mais surtout, de l'instrumentalisation des populations afro-américaines pour le bénéfice d'une société bourgeoise libérale dont il dénonce l'hypocrisie. Les méchants sont ici présentés comme des libéraux démocrates; des gens dont on pourrait dire qu'ils sont du bon coté de l’Amérique... Ce qui est vraiment très intéressant dans ce film, c’est qu’il montre l’aspect insidieux du racisme ordinaire. On n’est pas dans l’habituelle dénonciation de ce genre de chose. Le racisme ne porte ici ni cagoule du Ku Klux Klan, ni fouet à la main, et ne vient pas d’horrible rednecks. Il se positionne dans des idées reçues, ces phrases toutes faites, ces références aux aptitudes supposées des Afro-Américains en matière de sport ou même de taille de pénis. Jordan Peele souhaite clairement que son film fasse en sorte que le spectateur se pose des questions sur les préjugés que l'on se forge dès la naissance en fonction du milieu social.

    Get out est aussi un film très bien construit et magnifiquement joué. Joli casting d’ailleurs avec, en particulier dans le rôle de Chris, l’excellent Daniel Kaluuya qui peut commencer à s’enorgueillir d’un CV filmographique plutôt pas mal pour ses 28 ans. Jordan Peele parvient également parfaitement à imbriquer de belles scènes de tension, une direction d’acteurs impeccable, et un humour corrosif du meilleur cru. À ce propos, le producteur de Get out, Jason Blum, confie : "Les moments de pure horreur sont d’autant plus efficaces lorsque le spectateur peut aussi rire de temps en temps. Cela le déstabilise et quand on cherche ensuite à le terrifier, il réagit d’autant mieux aux effets horrifiques." Pour ce qui est de la tension, elle se manifeste progressivement et intelligemment de façon détournée, loin des codes habituels de l’horreur. L’angoisse s’installe à travers des signes, cette attitude très singulière des deux domestiques noirs. On avance avec cette ambigüité fondamentale des personnages qui engendre un sentiment de malaise d’abord diffus, puis de plus en plus fort qui s’empare à la fois de Chris et du spectateur. Et les choses évoluent passant de l’immersion dans le fantastique avec une séance imposée d’hypnose jusqu’à l’horreur finale violente mais pas premier degré et donc tout à fait supportable, même pour celui ou celle qui n’est pas adepte du genre. À noter entre ces deux dernières étapes une scène magique, emblématique et glaciale qui m’a rappelé certains épisodes du Prisonnier, ce bingo détourné en vente aux enchères du corps de Chris, dont la scénographie évoque furieusement la vente aux enchères négrière et qui se joue dans le silence, filmée comme aurait pu sans doute le faire le grand Stanley Kubrick.

    GET OUT famille

    On pourra peut être regretter la toute fin du film qui reste « gentille » et qui ne pousse pas le bouchon jusqu’au bout. Une happy end qui satisfera le plus grand nombre mais chagrinera le cinéphile averti. Il faut savoir que pour Jordan Peele justement cette fin devait être toute autre. Le cinéaste souhaitait en effet frapper fort avec une fin coup de poing qu’il a d’ailleurs tourné et que l’on peut retrouver sur internet. Mais après l’avoir testée sur le public lors de projections privées avant la sortie du film et vu la réaction négative des spectateurs devant cette fin nihiliste, le réalisateur a préféré suivre les conseils du producteur Jason Blum qui l’incitait à privilégier une fin heureuse et héroïque.

    J’aimerai enfin noter cette espérance qui peut s’apercevoir au cœur de cette sombre histoire. Comme une étincelle de vie, une permanence d’un fragment individuel d’humanité par delà la lobotomisation se déclenche soudain à l’occasion d’instants déterminants chez toutes les victimes. Et de façon étonnante et réjouissante, il semble que ces instants soient provoqués par le déclenchement du flash à chaque fois que le héros veut prendre une photo. Comme le pouvoir de résistance du cinéma face aux horreurs de nos sociétés ou plus simplement encore de la lumière face aux ténèbres.

    Get Out ose en s’attaquant à cette thématique du racisme avec une forme qui séduira largement tout en étant porteur de beaucoup d’interprétations profondes des aspects horrifiques de ce sujet qui nous hante tous. Mais une chose est sûre, n’acceptez plus jamais de boire du thé avec n’importe qui…

     

     


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  • Croire, espérer contre toute espérance, avancer par la foi… telles sont les teneurs profondes de deux films qui sortent ce mercredi 10 mai sur les écrans français. Deux magnifiques longs métrages sur un même thème, avec des questions semblables et un certain nombre de points communs, de réalisateurs sud-américains de surcroit (chilien et mexicain) mais nous conduisant dans deux univers cinématographiques aux antipodes l’un de l’autre. J’ai aimé et je vous dis pourquoi…

    Commençons avec Le Christ aveugle, sélectionné cette année à la Mostra de Venise, en compétition officielle. Premier film du réalisateur chilien Christopher Murray, Le Christ aveugle nous conduit à suivre le chemin caillouteux de Michael, jeune mécanicien. Ce jeune trentenaire est convaincu d'avoir eu une révélation divine, lorsqu’enfant il s’est fait planter des clous dans la main, par son plus proche ami, pour suivre les traces du Christ et ainsi le rencontrer. Lorsqu’il apprend l’accident de cet ami d’enfance, il entame un pèlerinage pieds nus pour aller à son chevet accomplir un miracle. Sa démarche interpelle la population exploitée des entreprises minières du désert chilien, les laissés pour compte, qui voient en lui un prophète. Cet homme est peut-être en mesure de les soulager de leurs souffrances…

    Le Christ aveugle affiche

    C’est à la foi que ce film s’intéresse avant tout car Michael n’est pas dans une posture quelconque, il vit et surtout réagit simplement et naturellement au rythme de ce que ses convictions spirituelles impulsent en lui. Quand il entend que cet ami qu’il a perdu de vue depuis bien longtemps est blessé, il ne réfléchit pas mais quitte tout et, contre l’avis de son père, se met en marche. Tout est possible à celui qui croit et alors, à cause de sa foi, il va accomplir le miracle, tout naturellement. Dans cette attitude étonnante pourtant aucun égo surdimensionné, aucune paranoïa mais au contraire une forme de naïveté, de pulsion bienveillante… et quand sur sa route il croise une expression spirituelle s’appuyant sur une statue et des discours de prêcheurs, il réagit, là encore non pour prendre un pouvoir quelconque, mais pour interpeller sur le sens profond de la foi et du croire qui ne seraient ailleurs qu’à l’intérieur de chacun, au plus profond de l’humain.

    Christopher Murray, tout en nous conduisant avec lenteur, intériorité et dans une esthétique assez sublime sur les pas de Michael et sur ses confrontations entre foi et réalités, entre bienveillance et rejet, entre solitude et amour partagé, entre souffrance et plénitude apaisée, nous révèle une œuvre d’une grande humanité. Humanité habitée d’ailleurs davantage par le silence de Dieu qui ouvre à une foi qui s’incarne et se joue finalement dans d’autres miracles que ceux que nous voulons parfois. Des miracles du quotidien, ceux qui se jouent dans la rencontre, les regards, dans des gestes d’amour marqués du sceau de la grâce.

    le christ aveugle extrait

    Et donc, ce même 10 mai, sur les écrans français sort Little boy du mexicain Alejandro Monteverde. Un film qui revendique clairement faire partie du mouvement des « Faith Based Movies » (Films basés sur la Foi), mouvement qui a pris naissance aux Etats-Unis avec la sortie en 2004 du film de Mel Gibson, La Passion du Christ et qui depuis ne cesse de se développer. Mais Little Boy évite intelligemment l’écueil religieux en présentant un équilibre adroit dans son propos entre la thématique religieuse et des éléments profanes, en utilisant le ton qu’il faut pour ne jamais avoir l’air de donner une leçon de morale mais bien plus une leçon d’amour. Et c’est l’un des éléments de ressemblance avec Le Christ aveugle bien que, cinématographiquement, Alejandro nous conduise plutôt dans le sillage de Spielberg ou Wes Anderson que dans un film d’auteur sud américain.

    Little boy affiche

    Little boy, c’est l’histoire d’un petit garçon comme le titre l’indique mais aussi en référence au nom de code de la bombe A qui fut larguée sur Hiroshima au Japon le 6 août 1945. L’histoire se déroule précisément pendant la seconde guerre mondiale, dans un petit village de pêcheurs aux Etats-Unis. Alors que son père part au combat, Pepper, petit bonhomme de huit ans, reste inconsolable. Avec sa grande naïveté mais surtout beaucoup d’amour, il sera prêt à tout pour le faire revenir… quitte à déplacer des montagnes !

    Little boy est un petit bijou de fraicheur qui ne manque assurément ni de sel, ni de lumière. D’un point de vue réalisation, photographie, acteurs, on est face à un très joli film bien ficelé et doté d’un casting plutôt haut de gamme avec notamment la grande Émily Watson, Michael Rapaport, Tom Wilkinson, Ben Chaplin ou le japonais Cary-Hiroyuki Tagawa pas forcément connu du grand public mais pourtant largement confirmé avec 55 films ou séries à son actif dont plusieurs blockbusters américains. Et puis il y a le héro, haut comme trois pommes, mais vraiment impressionnant, je parle du jeune Jakob Salvati, qui malgré son âge en est déjà̀ à son 6ème rôle ! C’est d’ailleurs une vraie différence avec le film de Christopher Murray qui, à part pour jouer son personnage principal, n’utilisera que des amateurs, des gens des villages dans lesquels il tourna. Ce qui n’enlève rien à la qualité, au contraire presque… amplifiant parfois le réalisme des images tellement important dans son propos. 

    déplacer les montagnes

    Mais Little boy c’est quand même surtout une quantité de thématiques abordées qui font de lui un film idéal pour discuter. Dans le dossier pédagogique que propose SAJE, le distributeur français, et dans lequel j’ai participé activement, je relevais (et ce n’est absolument pas exhaustif) pas moins de cinq grands axes et dont certains se déclinent encore davantage : La naïveté de l’enfance, la relation père-fils (toute particulière dans l’histoire), l’impact de la parabole (point par ailleurs commun avec Le Christ aveugle), tout ce qui touche aux questions de racisme, stigmatisation, peur de l’autre et par opposition l’amour des ennemis, enfin bien sûr la foi avec son sens profond et ses limites. 

    Croire, vaille que vaille… car Il y a une sorte de folie qui accompagne la foi de cet enfant et tout le cheminement qui se produit aussi progressivement chez les habitants du village. Des évènements qui semblent corroborer qu’il se passe quelque chose... là où personne ne pouvait l’imaginer. Mais comme le dit Hébreux 11.1 « Mettre sa foi en Dieu, c’est être sûr de ce que l’on espère, c’est être convaincu de la réalité́ de ce que l’on ne voit pas ». Alors, méthode Coué – coïncidences – hasard – miracle ? Qu’en penser ? Comment faire la différence ? Ces questions sont bel et bien là et ouvrent encore plus loin car, quoiqu’il en soit, une chose est bien certaine : Cette foi naïve et pourtant absolue déplace bel et bien des montagnes, mais comme pour Le Christ aveugle, parfois là où on ne l’imaginait pas.

    espérer contre toute espérance

    Pour votre curiosité personnelle, ou plus pratiquement en vue d’animer un débat avec ce dernier film, je vous conseille de télécharger le dossier pédagogique de Little Boy

     

     

     


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  • S’émerveiller devant une nature si belle et généreuse pour finalement interpeller sur la terrible condition paysanne avec une histoire mêlant romantisme et réalisme, délicatesse et rudesse… Telle est « La Morsure des dieux », la nouvelle œuvre cinématographique que nous offre la réalisatrice atypique et prolifique Cheyenne Carron. 

    affiche la morsure des dieux

    Sébastien, grand amoureux de sa terre du Pays-Basque, est seul à s'occuper de la ferme familiale alors que les soucis s'accumulent : crédits insurmontables, baisse de la production, désorganisation du milieu paysan… Sébastien se bat et cherche sa voie, qui prend un tour spirituel au contact de sa nouvelle voisine, Juliette, aussi Catholique que lui est Païen. Mais leur amour est remis en question alors que Sébastien, rattrapé par les difficultés, est sur le point de tout perdre…

    Commençons par évoquer le cas Cheyenne Carron. Quand j’utilise cette expression, ce n’est nullement péjoratif, bien au contraire, plutôt avec tendresse et admiration. Cette réalisatrice française de quarante ans, qui compte une histoire personnelle faite d’épreuves et de rédemptions est une écorchée (titre de son premier long-métrage) vive volontaire et courageuse. Cette artiste entière, passionnée, assumant ses choix et refusant notamment le dictat des sociétés de production ou autres structures du cinéma, a décidée, jusque-là (elle cherche actuellement un producteur pour son prochain film déjà écrit), de travailler en étant autonome, sans apport financier de l’état ou du système habituel. Une sorte d’artisan du cinéma qui doit donc fonctionner dans une certaine sobriété technique, financière et humaine mais qui ne l’empêche en aucun cas de chercher la qualité, le sens et même la quantité. Car Cheyenne est aussi une boulimique… on sent que tout ce qui est en elle a besoin de sortir, de s’exprimer… et les histoires qu’elle nous présente en sont les fruits.

    Cheyenne Carron

    Déjà 11 films (dont 2 courts métrages) en tant que réalisatrice à son actif et depuis quelques années, un par an en moyenne. Des sujets graves et souvent faisant écho à l’actualité ou à des questions sociétales fondamentales souvent laissées-pour-compte par le cinéma (peut être trop risqué, trop compliqué). Cette fois-ci, après avoir il y a quelques mois traité du djihadisme avec La chute des hommes, elle fait le grand écart pour traiter de la détresse de la paysannerie française en y mêlant des questions de religion et, là en particulier, du paganisme en milieu rural. On pourra y voir d’ailleurs un joli parallèle à sa condition de « paysanne du cinéma » luttant aussi comme son héro pour ce en quoi elle croit et une façon de le vivre.

    La Morsure des dieux c’est d’abord une vraie réussite esthétique. Les plans de paysages deviennent presque une forme d’acteur du générique. Ce pays basque est là au cœur de l’histoire et parle tout autant que les dialogues ou que cette magnifique voix off (elle aussi très « esthétique »)… les « bruits » du vent ou du silence… on est porté avec douceur même si pourtant l’histoire qui se joue devant nos yeux nous plonge dans l’horreur d’une société où la désespérance peut conduire aux pires drames. Celui, dans le cas présent, d’abdiquer face à la mondialisation, au rouleau compresseur de l’argent et des banques et des soucis qui s’en nourrissent, pour conduire au suicide. La réalisatrice a encore là puisé dans son histoire : « Le frère de mon grand-père s’est suicidé il y a 18 ans de ça. Les années passant, j’ai vu que la question du suicide touchait de plus en plus de famille dans les campagnes. Il y a environ 500 suicides recensés par an. Peu de films abordent cette question, j’ai eu envie d’écrire sur ce sujet ». Sans jamais tomber dans le pathos et la lourdeur, Cheyenne Carron fait de ce suicide social, une véritable question existentielle.

    François Pouron et Fleur Geffrier

    Et puis le casting de La Morsure des dieux nous séduit. Cheyenne Carron prouve une fois de plus que les stars « bankables » n’ont pas le privilège du savoir-jouer et qu’un film peut aussi être porté brillamment par des noms plus modestes mais tout autant remarquables. Et là, le duo formé par François Pouron (qui revient après avoir déjà été l’un des acteurs de La chute des hommes) dans le rôle de Sébastien, le jeune paysan convaincu et combattant, et la très belle Fleur Geffrier, jeune aide-soignante catholique qui parvient à le séduire, est tout à fait remarquable. Une justesse et un naturel qui crève l’écran et donne corps aux deux personnages. Autours d’eux d’autres acteurs excellents et des non professionnels qui apportent aussi un réalisme utile dans ce contexte particulier du scénario.

    Mon seul bémol personnel se situera dans l’ajout de cette confrontation paganisme-catholicisme qui n’était peut-être pas autant nécessaire à mes yeux. Les convictions profondes de Sébastien apportent évidemment du poids dans le scénario et sont appréciables, mais l’opposition qui s’installe est parfois un peu poussée, en particulier dans le rapport au curé du village qui me laisse un peu songeur… Mais enfin, c’est un détail insignifiant et cela touche à la liberté de l’auteur que je ne saurai remettre en question !

    Alors ne boudez surtout pas ce cinéma non conventionnel qui fait du bien et est tellement important. Cheyenne Caron, même si elle n’entre pas dans les codes classiques que l’on connaît, est véritablement devenue l’une des réalisatrices et scénaristes importantes du cinéma français et ça, c’est vraiment bon !


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