• Être artiste… une affirmation qui se transforme en questionnement philosophique qui pourrait, je vous l’accorde, devenir assez vite rébarbatif, en particulier pour tous ceux qui ne se sentent pas concernés ! Pourtant, la sortie du film « POLINA, danser sa vie » m’encourage a oser gribouiller quelques lignes sur le sujet (mais très humblement et simplement je vous rassure), tant l’approche est intéressante, propice et belle.

     

    « POLINA, danser sa vie » nous plonge dans la Russie des années 90. Ce film raconte l’histoire de Polina, une jeune danseuse classique prometteuse, portée par la rigueur et l'exigence du professeur Bojinski. Alors qu'elle s'apprête à intégrer le prestigieux ballet du Bolchoï, elle assiste à un spectacle de danse contemporaine qui la bouleverse profondément. C'est un choc artistique qui fait vaciller tout ce en quoi elle croyait. Elle décide de tout quitter et rejoint Aix-en-Provence pour travailler avec la talentueuse chorégraphe Liria Elsaj et tenter de trouver sa propre voie.

    Affiche Polina

    C’est tout d’abord une émouvante histoire racontée dans ce long-métrage d’Angelin Preljocaj et de Valérie Müller, à partir du roman graphique de Bastien Vivès, succès de librairie de l’année 2011. C’est aussi une excellente interprétation proposée par les différents acteurs et actrices faite de justesse, de nuances, d’esthétisme et de force expressive des regards et des corps - mention toute particulière à l’actrice principale, la danseuse Anastasia Shevtsova dotée d’un magnétisme étonnant et d’une véritable grâce, mais aussi la magnifique Juliette Binoche qui assure vraiment sous les traits d’une chorégraphe contemporaine incisive ou encore Aleksei Guskov dans le rôle sévère et pourtant aimant du professeur Bojinski. C’est encore une bande originale composée par le collectif 79D qui participe à l’effet captivant de Polina et qui accompagne chaque instant, chaque moment de danse, et plus globalement toute la quête intérieure de la jeune artiste en devenir. C’est enfin une réalisation extrêmement soignée mêlant élans poétiques et, en même temps, un certain classicisme qui permet de suivre le cheminement de Polina naturellement, mais aussi de se laisser toucher par les magnifiques moments de danse qui sont finalement plus ou moins permanents. Un film qui danse encore et toujours pendant les cours bien évidemment ou pendant les spectacles mais aussi le soir dans bars d’Anvers, comme à la maison au son de vieux chants russes traditionnels. La nature ouvre également à la danse dans la forêt enneigée comme la nuit, après une journée d’entraînement, entre les barres d’immeubles. La réalisatrice Valérie Müller explique à ce propos : « Il y a cette idée que tout nourrit le parcours du personnage, y compris l’architecture dans laquelle elle grandit, y compris la nature. C’est pour cela, pour pouvoir inscrire les mouvements de la danse dans les décors, que nous avons choisi de travailler en scope. Pour les scènes de répétition, on filmait différemment : plus serré, à l’épaule. Pour le duo final encore autrement, avec une grue. »

    polina danse en famille   Polina barre

    En suivant le parcours de Polina fait de doutes, de désirs, d’échecs et de victoires, de rencontres diverses qui deviendront des poteaux indicateurs subtils mais indispensables, fait encore d’une histoire qui précède, de racines, d’une culture et d’inconscient… c’est toute une réflexion qui devient propice sur le sens de l’art et la nature de l’artiste. Si l’apprentissage est une base, un exercice quasi perpétuel, l’artiste doit puiser aussi au-delà. Le sens de son œuvre doit être pétri de son expérience, de son regard et plus simplement de sa vie. Car il n’y a pas d’art sans incarnation, sans comprendre que je ne crée véritablement, non dans une restitution désincarnée mais seulement dans une appropriation de mon histoire, dans une authenticité manifeste qui peut commencer à s’exprimer lorsque mes yeux s’ouvrent pleinement sur le monde autours de moi, lorsque je deviens suffisamment éponge pour absorber les moindres signes de vie qui m’entourent et qui me font finalement être moi même. Polina l’expérimente poussée par sa passion et ses désirs, mais aussi au gré des difficultés et des embuches sur son chemin. Étapes sans doutes aussi nécessaires pour forger l’artiste qui se cache au plus profond de soi, laisser le blues briser la carapace, le mouvement se libérer et ne plus être juste un pas mais le pas qui s’ancre dans la terre, qui, même dans la tendresse et la douceur, prend une forme quasi agressive car volontaire et assumée.

    Car finalement, si Polina croyait qu’elle devait abandonner le classique, lui semblant faire d’elle une simple exécutante, si il lui semblait nécessaire de s’émanciper de ses parents, de son professeur et même du Bolchoï qui l’avait accepté, elle apprendra que le véritable problème n’est pas là, mais dans l’émancipation d’elle même pour se libérer pleinement, lâcher prise et accepter un parcours intérieur qui la conduira à être et danser sa vie.

    Polina chorégraphie

    Un apprentissage que chaque véritable artiste doit être amené à considérer et à vivre. Quelque soit sa forme d’expression… danse, musique, peinture, théâtre, écriture… un chemin initiatique nécessaire pour s’assouplir (à l’image du travail demandé sur le tout jeune corps de Polina) et finalement devenir plus ferme dans l’énergie et la vérité donnée aux gestes, aux notes, aux traits, aux attitudes ou aux mots.

    Un film à voir si on aime la vie… car l’art c’est finalement beaucoup ça !

     


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  • Si j’ai choisi de mettre au pluriel le titre de cet article, c’est que ce mercredi 23 novembre 2016 sont sortis en même temps deux films très différents sur ce sujet, hélas, toujours d’actualité. D’un côté, « La chute des hommes » de Cheyenne-Marie Carron fait de radicalisation djihadiste, et de l’autre « Le disciple » du cinéaste russe Kirill Serebrennikov qui évoque un fondamentalisme orthodoxe au pays de Poutine. 

    affiche chute des hommes

    Après « L'Apôtre » qui évoquait la conversion d'un jeune musulman au catholicisme et « Patries » traitant du racisme anti-Blancs en banlieue parisienne, Cheyenne-Marie Carron, continue d’aborder des sujets d’actualité sensibles loin des grands studios et des subventions possibles, pleinement indépendante et autoproduite. Le résultat, c’est cette histoire qui raconte l’enlèvement par un groupe djihadiste d’une jeune française partie pour un voyage d’étude dans un pays du Moyen-Orient qui n’est pas cité. D’ailleurs l’intérêt n’est pas là, ni dans la réalité des lieux où est tourné le film. Comme je vous le disais, Cheyenne-Marie réalise avec des moyens plus que minimes et elle privilégie ainsi une approche artistique tranchée faite d’évocations franches, d’un minimalisme laissant place au sens et aux émotions.

    La grande et belle idée de « La chute des hommes » se situe sans doute dans le choix de travailler en un seul film ce qui est devenu l’un des grands classiques de bons nombres de séries en vogue : raconter une même histoire du point de vue de plusieurs protagonistes, trois en l’occurrence ici. Tout d’abord Lucie, la jolie et naïve étudiante qui vit d’amour et de frais parfums, qui se retrouve plongée dans l’enfer de cet enlèvement et d’une folie meurtrière. Puis c’est avec Younes, chauffeur de Taxi sans le sou qui deviendra malheureusement le « livreur » de l’offrande blondinette aux ravisseurs islamistes, que se comprennent autrement les tragiques évènements. Pour finir, enfin (le film dure 2h20 quand même), avec Abou, l’un de ces djihadistes ravisseurs, lui aussi originaire de France, comme Lucie, et avec lui une dernière compréhension de ce récit troublant et effrayant d’obscurantisme, qui conduit à cette Chute.

    Lucie   Younes

    Abou

    Un sujet actuel, difficile mais auquel Cheyenne-Marie apporte une vraie démarche artistique, humaine et chrétienne. Loin des grosses productions qui peuvent certainement nous détendre, « La chute des hommes » est néanmoins un film à voir pour réfléchir et être interpellé. Une démarche pleinement assumée par la réalisatrice tout juste quadra qui confie dans une interview : « Je m’efforce de traiter des sujets qui nous concernent avec honnêteté, vérité, humanité. Je suis un metteur en scène catholique, je regarde le monde avec un regard de chrétienne. J’estime qu’il n’y a pas de sujets réservés ou, au contraire, interdits aux chrétiens. Le monde nous est ouvert. » Et justement, à propos de sa foi chrétienne, il est à noté ce verset de l’Évangile de Jean au chapitre 3, verset 8 qui accompagne l’affiche et l’introduction du film : « Le vent souffle où il veut ». Les raisons de ce choix, Cheyenne-Marie me les a confiées avec ces mots : « Le vent souffle où il veut signifie pour moi, au travers de cette "Chute des Hommes", que la grâce touche qui Elle veut, et il la désire. Mon jeune Djihadiste, verra son destin changé, il renoncera au combat armé, car il entend dans son cœur et son âme, la présence de la Sainte Vierge. Il récite d'ailleurs à la fin le « je vous salue Marie », après avoir été sauvé, et ayant gagné une seconde chance. Lucie, elle, n'aura pas cette chance. Elle sera tuée. »

    Le disciple

    Des versets bibliques, il y en a à la pelle et même jusqu’à une certaine overdose dans l’autre film du jour « Le disciple ». Overdose est peut-être d’ailleurs le mot qui convient pour exprimer le ressenti qu’impose le personnage principal Veniamin, un adolescent pris d’une crise mystique outrancière où seuls les versets bibliques (pris bien sûr littéralement et hors contexte) dictent ses choix et ses positionnements face aux autres, son école, la société et même sa mère… mais le conduisant aussi paradoxalement dans les bras de nombreux péchés comme la haine, l’orgueil ou plus encore, le meurtre.

    « Le disciple » a été présenté à Cannes 2016 dans la sélection Un Certain Regard et il a obtenu le Prix François Chalais, « récompensant un film qui traduit au mieux la réalité de notre monde ». Il est l’adaptation d’une pièce de théâtre intitulée « Martyr », du dramaturge allemand Marius von Mayenburg (pièce que j’avais eu le plaisir de voir et de critiquer http://artspiin.eklablog.com/martyr-a105934418). Le film finalement, tout en gardant la même base d’histoire, propose une approche très différente, moins artistique et contemporaine mais sans doute plus réaliste et agressive. L’obscurantisme religieux de l’adolescent est omniprésent et même à force agaçant (le mot est faible). Il prêche une morale extrême, absurde et violente. Et à cet excès voulu vient s’ajouter une certaine hypocrisie et complaisance de la communauté adulte… mère, système éducatif, prêtre. Seule contre tous, finalement, Elena, une professeure de biologie et psychologue va avoir le courage de s’opposer à lui, cherchant à lui faire comprendre sa folie, mais elle sera empêchée d’exercer pleinement son métier. 

    Le disciple piscine

    Il faut reconnaître que « Le disciple » est un film fort bien réussi et très adroit avec de magnifiques plans-séquence notamment et une belle restitution de l’ambiance sociétale d’une certaine Russie. Car si la religion est clairement visée, c’est aussi toute une toute une critique socio-politique qui l’accompagne. Tragédie d’un peuple russe agonisant entre les changements de régimes politiques et de croyances, conduisant à des pertes de repères et de cadres pouvant produire ce genre de mécanismes fanatiques divers. Kirill Serebrennikov nous démontre là qu’un illuminé se réclamant d’une idéologie totalitaire, quelle qu’elle soit, peut devenir un véritable détonateur agissant sur la société. Une parabole tristement universelle mais un appel aussi sans doute à réfléchir à nos convictions et notre foi pour ne pas tomber dans ce genre de comportements qui parfois pourtant peuvent se cacher subtilement aussi chez nous.


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  • Cet automne 2016 marque le grand retour de Mel Gibson derrière la caméra, avec « Tu ne tueras point » (Hacksaw ridge). Attendu au tournant pour de multiples raisons, le réalisateur choisit de raconter l’histoire vraie de Desmond Doss, premier objecteur de conscience à avoir reçu la médaille d’honneur, soit la plus haute distinction militaire des Etats-Unis.

    affiche tu ne tueras point

    Précisons qu’il s’agit d’une histoire vraie, le biopic de DESMOND DOSS, le premier objecteur de conscience à recevoir la Médaille d’honneur, la plus haute distinction militaire des Etats- Unis. Il s’est vu remettre cette médaille des mains du Président Harry Truman en octobre 1945, avec un éloge soulignant « son extraordinaire bravoure et sa détermination à toute épreuve face au danger ».

    Quand la Seconde Guerre mondiale a éclaté, Desmond, un jeune américain, s’est retrouvé confronté à un dilemme : comme n’importe lequel de ses compatriotes, il voulait servir son pays, mais la violence était incompatible avec ses croyances et ses principes moraux. Il s’opposait ne serait-ce qu’à tenir une arme et refusait d’autant plus de tuer. Il s’engagea tout de même dans l’infanterie comme médecin. Son refus d’infléchir ses convictions lui valut d’être rudement mené par ses camarades et sa hiérarchie, mais c’est armé de sa seule foi qu’il est entré dans l’enfer de la guerre pour en devenir l’un des plus grands héros. Lors de la bataille d’Okinawa sur l’imprenable falaise de Maeda, il a réussi à sauver des dizaines de vies seul sous le feu de l’ennemi, ramenant en sureté, du champ de bataille, un à un les soldats blessés.

    Disons-le tout de suite, pour moi ce film est bouleversant, d’une force incroyable tant par l’histoire racontée, les émotions présentes que par la force d’immersion que déploie Gibson pour nous donner d’entrer au cœur du combat bien réel et plus intérieur du héro de l’histoire. Précisément sur ce dernier point, Mel Gibson ne faillit pas à sa règle d’hyper réalisme (parfois sans doute trop poussé jusqu’à l’overdose). Mais là, cette façon de faire prend sens plus particulièrement. Au-delà de la mise en scène léchée et captivante, les scènes de guerre sont à couper le souffle. La réalité de l’horreur du combat, de la mort est là tout autour de nous, le spectateur se trouvant au cœur de la bataille. Pour ces séquences, le producteur Bill Mechanic assure que Mel Gibson a fait preuve d’une vision et d’une créativité́ remarquables. « Mel a vraiment l’œil pour ce genre d’action, il va droit à l’essentiel. » dit-il. Il déclare par ailleurs : « L’objectif était de montrer aux spectateurs que cet endroit était le pire de l’enfer, tel que l’ont vécu ces hommes. » Pour aboutir à ce résultat, Mel Gibson use de mouvements de caméra et de ralentis parfaitement maîtrisés.

    desmond doss   desmond doss

    Mais avant d’en arriver là dans le film il y a deux autres périodes qui précèdent, car la construction du récit est aussi un élément fort de « Tu ne tueras point ». Trois parties distinctes, comme trois actes d’une pièce de théâtre. On commence avec Desmond Doss dans sa sphère familiale et amicale pour le retrouver ensuite dans sa formation militaire pour aboutir finalement au combat. Durant ces deux premiers temps, on apprend à connaître Desmond. On le voit évoluer, grandir, aimer, puis choisir, subir et tenir ferme. On comprend petit à petit ce qui sous-tend ses convictions faites d’une foi sincère en Dieu mais faites aussi de blessures intimes, profondes. L’utilisation de flashbacks qui parsèment le déroulement de l’histoire sont aussi une belle façon d’entrer dans la psychologie de Desmond. Le  film s’ouvre d’ailleurs avec cet accident où Desmond a failli tuer son frère, comme une revisite de l’histoire de Caïn et Abel. Ce qui m’amène à évoquer également les nombreuses métaphores bibliques. Celle particulièrement du Sauveur qu’incarne Desmond dans sa capacité à se donner pour les autres, un par un… comme un rappel que le salut est offert individuellement… Desmond Doss fait une prière qui revient comme un refrain dans le long processus qu’il entame à porter secours, seul sur la colline, à ceux qui y sont blessés. Il dit : « Par pitié, Seigneur, aide-moi à en sauver un de plus. Un de plus. ». Une vraie figure Christique étonnante. On appréciera pour augmenter cet effet, les plans en contre-plongée qui se chargent de donner un relief vertigineux au calvaire du protagoniste. Desmond partira au feu, tel le bon berger, à la recherche de chacune des brebis perdues, dont il pansera les blessures une par une, pour les ramener à l’abri. Chacun de ses gestes prend quasiment alors une dimension prophétique. On trouve aussi une sorte de remake de la parabole du fils prodigue mais avec une inversion des rôles. Si c’est l’enfant qui part, le retour passe ici par le père qui le rejoint pour le soutenir, le défendre et permettre à son projet de se réaliser. Une scène très forte dans un tribunal militaire qui se conclut par ces mots de Desmond à Dorothy, sa fiancée : « Quand tu rentreras, dis-lui que je l’aime ».

    Desmond et Dorothy   Dorothy et Desmond

    En fait, les thématiques sont multiples et ce film peut aussi être vu comme un véritable outil de réflexion et de débat. À noter d’ailleurs, que la société de distribution SAJE propose un dossier pédagogique pour aider à la réalisation d’un ciné-débat, agrémenté par plusieurs annexes extrêmement riches, allant d’un témoignage d’objecteur de conscience à des apports éthiques et théologiques de grandes qualités. http://www.sajedistribution.com/film/tu-ne-tueras-point.html 

    « Tu ne tueras point » se termine enfin avec des images d’archives, Mel Gibson ayant eu la politesse et l’intelligence de rendre hommage au vrai Desmond Doss, à sa trajectoire qui, certainement, vous laissera abasourdi en fin de séance, et à plusieurs des protagonistes de l’histoire. Riche intention qui parachève ce petit bijou de cinéma qui restera sans aucun doute comme l’un des plus beaux films de cette fin d’année… beau et bon !

     


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  • Après Jimmy’s Hall, le maître britannique Ken Loach revient à ce qu’il fait de mieux : dénoncer la misère sociale et ce qui la provoque. Ici l’inefficacité volontaire de l’administration que le réalisateur voit comme une arme politique.  

    affiche film

    Pour la première fois de sa vie, Daniel Blake, un menuisier anglais de 59 ans, est contraint de faire appel à l’aide sociale à la suite de problèmes cardiaques. Mais bien que son médecin lui ait interdit de travailler, il se voit signifier l'obligation d'une recherche d'emploi sous peine de sanction. Au cours de ses rendez-vous réguliers au « job center », Daniel va croiser la route de Rachel, mère célibataire de deux enfants qui a été contrainte d'accepter un logement à 450km de sa ville natale pour ne pas être placée en foyer d’accueil. Pris tous deux dans les filets des aberrations administratives de la Grande-Bretagne d’aujourd’hui, Daniel et Rachel vont tenter de s’entraider.

    Moi, Daniel Blake a secoué la croisette lors du dernier Festival de Cannes. Il en est même revenu couronné de la palme d’or, mais aussi d’une mention donnée par le Jury œcuménique. Ken Loach devait prendre sa retraite, au lieu de ça il continue en travaillant sur ce qui lui colle à la peau. Il y a véritablement du génie chez lui dans sa capacité à être juste en parlant de sujets difficiles. Il ne tombe pas dans le pathos, la caricature mais sait décrire avec finesse les situations et, plus encore, l’humain. Oui, car ce qui ressort une fois de plus avec éclat de tout ça est l’amour de Ken Loach pour l’être humain, pour l’homme, le citoyen comme le rappelle avec une puissance incroyable le final de Moi, Daniel Blake. 

    daniel blake

    Cette histoire, qui se déroule à Newcastle, commence de façon assez classique pour le réalisateur, nous laissant découvrir un personnage typique de son univers, à l’accent du nord bien prononcé (comment ne pas vous encourager à voir le film en VO ST à défaut de passer à côté d'un environnement spécifique des personnages de Loach). On entre dans sa réalité, dans le cercle infernal qui est en train de se mettre en place socialement suite à une crise cardiaque qui l’oblige à ne plus travailler pour un temps. Face à la folie de l’administration, l’entraide et l’amitié vont surgir, se mêler, se donner et se rendre. Les personnages sont extrêmement attachants du plus jeune au plus âgé et on ne voit pas le temps passer. Plusieurs scènes en particulier nous clouent au fauteuil. Le silence dans la salle est palpable et nous fait entendre quelques reniflements pour chercher à contenir les larmes qui viennent facilement. À noter la qualité du scénario signé Paul Laverty, toujours fidèle au poste aux côtés de Loach, qui est d’une efficacité redoutable même dans les moments les plus évidents.

    Au final donc, c’est un film magistral qui nous est offert où la beauté artistique se dévoile autrement, sous la forme d’un cri de colère contre une société où, pour paraphraser une formule biblique, à celui qui n’a pas on ôte encore pourtant ce qu’il a. Un constat qui n’est pas nouveau mais, comme le rappelle le cinéaste britannique, qu’on ne doit jamais admettre comme immuable.  Plus encore, une réalité qui ne doit jamais nous conduire à être blasé. Alors au moins juste pour ces deux raisons, Moi, Daniel Blake est le film à ne pas manquer cette semaine.


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  • Ce mercredi sort le biopic sur « le pape François », film qui se concentre pour l’essentiel sur l’avant élection du 13 mars 2013. Un scénario tiré du bestseller mondial "Francisco - Vie et révolution" de Elisabetta Pique.

    Affiche Pape François

    Celui que l’on appelle désormais le pape François, mais qui reste chez lui avec ses fidèles argentins padre Jorge ou bien encore pour l’état civil Jorge Mario Bergoglio nous est présenté ici au travers de ses rencontres avec Ana, une journaliste espagnole d’origine argentine qui le suit depuis la période autour du conclave de 2005 où il avait été « évincé » au profit de Benoît XVI. Une véritable amitié se noue entre les deux protagonistes et devient ainsi le fil narratif du film nous permettant ainsi de découvrir ce personnage autrement. 

    interview Ana Padre Jorge

    Réaliser un projet cinématographique du vivant d’une personnalité comme celle-là est toujours assez risquée. On craint vite d’assister au panégyrique de l’homme illustre. Et je dois avouer, n’étant de plus pas catholique moi-même, que ce préjugé était un peu là avant que l’écran noir ne s’éclaire lors de cette avant première presse. Mes soupçons parpaillots tombèrent vite pour laisser place à un bon moment à la fois de cinéma mais aussi plus simplement de découverte. Car ce film mêle adroitement la démarche instructive et artistique. On apprend sur l’homme sans excès, sans doute à la mesure de son caractère à la fois plein d’humanité et d’une certaine tendresse mais aussi bien défini dans ses contours, construit dans une éthique qui dessine sa façon d’être et donc aussi ses choix. Un homme qui sait sourire, profiter de la vie, et même séduire. Et ce rendu ne se fait pas au détriment du film en lui-même. Au contraire… Les acteurs sonnent justes, en particulier le duo formé par les espagnols Dario Grandinetti dans le rôle du padre et face à lui cette Ana jouée par la très belle Silvia Abascal. Deux comédiens qui n’en sont pas à leurs premiers rôles. On a ainsi pu voir récemment Dario dans le magnifique Julieta d’Almodovar ou bien encore dans ce film à sketches assez grinçant Les nouveaux sauvages. Quand à Silvia elle jouait un second rôle dans Truman ou donnait la réplique à Penelope Cruz dans Ma Ma. La réalisation est soignée, de facture classique, assez lente, mais convenant parfaitement aux propos.

    jeunesse pare jorge  Attente résultat élection pape  Padre Jorge et les malades

    On passe donc un très joli moment d’où ressort un fort sentiment de sincérité et, qui plus est, un peu plus instruit sur la connaissance d’un homme qui est train de changer un certain nombre de choses au sein de son Église mais avec des répercussions certaines aussi dans la société plus généralement. Un film à voir donc, que vous soyez croyant ou non, et que vous soyez catholique ou que vous ne le soyez pas… 


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