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    C’est parfois dans des films qui pourraient passer inaperçus, car loin des grosses productions hollywoodiennes, que se trouvent de très jolies choses qui font du bien et donne au cinéma aussi sa raison d’être. C’est ce qui ressort comme sentiment avec ce premier long métrage de Greta Gerwig, cette actrice particulièrement reconnue dans le cinéma indépendant américain. Lady Bird nous plonge au cœur de l’adolescence et des relations mère-fille avec charme et sincérité.

    lady bird

    Christine « Lady Bird » McPherson se bat désespérément pour ne pas ressembler à sa mère, aimante mais butée et au fort caractère, qui travaille sans relâche en tant qu’infirmière pour garder sa famille à flot après que le père de Lady Bird a perdu son emploi. 

    Avec ce Lady Bird, cette nouvelle identité revendiquée par la jeune Christine McPherson, transpire cette envie, ce besoin, dirais-je même, de prendre son envol, de construire sa propre vie. Se libérer des barreaux de la cage que peuvent représenter le cercle familial, surtout quand celui-là, comme souvent, est aux antipodes de vos souhaits ou fantasmes de vos 17 ans. C’est ce que nous raconte tout simplement Greta Gerwing s’inspirant par là-même de sa propre histoire. Une tranche de vie, 1 an au cœur de ces instants si importants de l’adolescence où se forgent des choix, où se solidifient et se détruisent des relations, où les larmes coulent, où les rires se déclenchent, où certaines premières expériences se vivent. C’est une ado en crise, gentiment rebelle, qui vit ses premiers émois sexuels, mais qui surtout cherche un peu d’attention. 

    lady bird

    Il y a donc un peu tout ça dans l’histoire simple et touchante de Lady Bird, cette jeune fille aux cheveux roses. Rien d’extraordinaire me direz-vous... et en effet, là se trouve précisément la force du film... raconter l’ordinaire mais avec sensibilité, charme, sincérité et pas mal d’humour. Et surtout, joué avec classe et justesse, par la jeune comédienne irlandaise Saoirse Ronan qui incarne à merveille Christine, alias Lady Bird. Mais elle n’est pas seule et l’ensemble du casting colle parfaitement à l’histoire racontée. On y trouve Tracy Letts, Lucas Hedges ou encore la nouvelle coqueluche d'Hollywood, le Franco-Américain Timothée Chalamet dans le rôle d’un copain solitaire et particulièrement nonchalant. Et puis, il faut insister sur Laurie Metcalf qui incarne Marion, la matriarche du clan McPherson. Une femme particulièrement paradoxale dans ses attitudes, à la fois autoritaire, aimante, attachante, mais aussi parfois d’une immense froideur et très maladroite. 

    mère fille lady bird

    Vous l’aurez compris, les relations parents-ados sont l’un des enjeux forts du scénario et font de Lady Bird un intéressant film pour parler de la famille. Il y a aussi, et en parallèle une certaine réflexion sur l’identité, notamment au travers du prénom donné ou choisi… mais je ne vous en dis pas plus sur le sujet pour ne pas gâcher votre propre découverte du film. 

    Lady Bird sort en France ce mercredi 28/02 et surtout est en route pour les Oscars avec 5 nominations. 


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    Récompensé du Lion d’or à la dernière Mostra de Venise et d’ores et déjà auréolé de 13 nominations aux Oscars, la Forme de l’eau la nouvelle pépite de Guillermo Del Toro sort cette semaine sur les écrans français. Deux heures de grâce et de poésie visuelle avec cet hymne à l’amour pétri de spiritualité parvenant ainsi à rappeler un certain nombre de fondamentaux qui construisent les relations humaines au travers d’une histoire étonnante et bouleversante.

    affiche La forme de l'eau

    Modeste employée d’un laboratoire gouvernemental ultrasecret, Elisa mène une existence solitaire, d’autant plus isolée qu’elle est muette. Sa vie bascule à jamais lorsqu’elle et sa collègue Zelda découvrent une expérience encore plus secrète que les autres…

    Au-delà de ce pitch minimaliste, il faut le dire tout simplement, La forme de l’eau est d’abord une histoire d’amour pas comme les autres, totalement improbable… mais ne s’agit-il pas là justement des plus belles qui soient et qui nous font rêver, qui nous donnent de toujours espérer, qui nous permettent de vivre. Imaginez, une jeune femme muette, jolie sans être particulièrement belle et quelque peu lunaire qui découvre l’amour dans la rencontre et l’attachement à une créature à écailles mi-homme mi-poisson, effrayante et sublime, féroce et plein de tendresse, fragile et puissant à la fois. Guillermo Del Toro nous embarque une fois de plus avec brio et virtuosité dans un récit au goût de parabole. Amour disais-je mais aussi tolérance et rejet qui se confrontent sur de multiples registres et dans de nombreuses situation… conduisant à une interrogation des valeurs, des différences… distillant une certaine critique sociale et politique… en passant par une réflexion sur la solitude ou le langage… et constamment fait d’ouvertures spirituelles symboliques ô combien.

    la forme de l'eau   la forme de l'eau

    Technique irréprochable aussi de Del Toro avec une réalisation, un montage et une photo remarquable avec, notons-le, de nombreux clin d’œil à plusieurs réalisateurs comme Tim Burton ou Terry Gillian ou plus largement aussi aux heures de gloire du cinéma hollywoodien des années 50 et de la comédie musicale. Et justement la musique, cet ingrédient si important dans un film, Guillermo l’a confiée à un maître qui a su la construire, la dompter, la placer… Alexandre Desplats en super forme et plein d’inspiration a su proposer un travail musical recherché et parfaitement ancré dans l’imagerie du film. Il y beaucoup de charme dans les notes, les mélodies, les harmonies… Et du charme, on en trouve aussi énormément dans les chansons notamment une version de La Javanaise interprétée par Madeleine Peyroux ou encore You'll Never Know chantée par Renée Fleming. 

    DÉLUGE DE GRÂCE

    « La vie n’est qu’un fleuve dont notre passé est la source » lit Elisa sur son éphéméride. Phrase qui devient une certaine métaphore de sa propre existence. Et derrière cela aussi le fait que l’eau est bien la véritable star de ce long métrage… toujours présente d’une façon ou d’une autre des premières aux dernières images. Et alors, comme submergé par elle, cette même eau qui se déverse du ciel pour abreuver la terre, qui se boit, qui se jette pour nettoyer le sang ou autres salissures, mais qui remplit aussi cette salle de bain pour en faire un nid d’amour, jusqu’à s’infiltrer et venir se déverser dans la salle de cinéma du dessous, comme une sorte de symbole baptismal qui ouvre à une vie nouvelle… c’est le public que je suis, que nous sommes qui nous retrouvons aussi baigné, immergé par elle et par sa forme bienfaisante et éblouissante et nous fait finalement revenir à la réalité et sortir de la salle obscure, sans doute un peu mieux, touchés par la grâce… comme si sur nous aussi une main s’était posée délicatement sur notre tête comme une bénédiction offerte…

     

    Merci Guillermo Del Toro !

     


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  • Bill Deraime, l’un des vieux briscards du blues français, qui en est devenu un symbole, célèbre ses cinquante ans de carrière avec un exceptionnel vingtième album studio mêlant passé et avenir. 

    NOUVEL HORIZON

    Nouvel Horizon est un disque choral qui reprend en duo plusieurs de ses titres mythiques (Babylone, Le bord de la route, Un dernier blues, plus la peine de frimer...) avec sa bande d'amis dans laquelle on retrouve Kad Merad, Florent Pagny, Bernard Lavilliers, Jean Jacques Milteau, TRYO, Sanseverino, Fratoun (chanteur des Guetteurs), Yves Jamait, Joniece Jamison. Mais Bill ne regarde pas uniquement dans le rétroviseur. Il sait encore se projeter en avant en donnant de nouvelles et très jolies couleurs à ces anciens titres, en en proposant de nouveaux inédits démontrant que l’inspiration est toujours parfaitement au rendez-vous… mais aussi en indiquant une dimension spirituelle encore plus vaste et fondamentale.

    Car oui, Bill Deraime n’est pas un artiste comme tous les autres. Peut-on d’ailleurs être un vrai bluesman et ressembler aux autres ? Bill ne sépare pas en tout cas toute cette dimension spirituelle et humaine de ses mots et de sa musique.  J’ajouterai même de sa vie tout simplement. Pas de faux semblants ou de discours fabriqués mais de l’authentique avec des fêlures, de la joie, de l’humour, des doutes, des interrogations et de la foi et de l’espérance. 

    Nouvel Horizon, le titre de l’album, l’indique d’ailleurs parfaitement en reprenant les mots de la première chanson, tout simplement admirable tant dans ses qualités artistiques propres que dans le message dévoilé qui résume l’esprit Deraime et celui de cet album : 

    « Allez-vous m’aider à chanter ma chanson / Jusqu’à la fin chanter un chant d’libération / Pour imaginer un nouvel horizon »

     Ou encore dans son dernier couplet :

    « Assez parlé, divisé, dominé, / C’est l’esprit seul qui nous rassemble / Assez jugé, classé, assassiné, / Pensons plutôt l’avenir meilleur pour vivre ensemble. / N’ayons plus peur à chaque matin sa peine / Demain déjà luit dans la nuit d’aujourd’hui / Qui sème le vent de la tendresse humaine / Moissonne les champs dorés de l’infini. »

    BILL DERAIME

    Pour revenir sur l’aspect artistique, Nouvel Horizon nous ballade dans les rythmique et l’univers de l’artiste : Blues évidemment, mais reggae, ballades, boogie, et ambiance Nouvelle-Orléans (avec même une pointe de culture amérindienne). Comme toujours, car c’est une constante chez Bill, on retrouve autour de lui une équipe musicale remarquable. Alors ça tourne, ça groove et ça offre une toile quasi parfaite pour que la voix grailleuse du barbu blanchâtre aux 70 balais vienne se poser pour distiller ses textes qui font tellement sens aujourd’hui encore. Et puis il y a tous ces duos plutôt vraiment sympas et bien vus comme celui avec Kad Mérad sur la reprise d’Otis Redding. Vrais coups de cœurs perso aussi pour L’enfer avec Lavilliers (titre qui lui colle avec une justesse étonnante) ou pour la revisite de Babylone avec Tryo. Concernant L’enfer, Bill Deraime explique que cette chanson est dédiée au collectif Les Morts de la Rue. Florentine, son épouse, et lui appartiennent à ce collectif qui se charge des enterrements des gens qui meurent dans la rue, pour leur éviter la fosse commune. Pour qu’ils soient enterrés dignement, avec une petite cérémonie. La phrase clé du titre, c’est « Et l’homme créa l’enfer » précise-t-il. C’est une chanson reptilienne, qui convie à un voyage intérieur. 

    Les inédits sont aussi bienvenus et par exemple ce Raymond. Bien différent de celui de Carla, ce Raymond là, c’est Ray Charles, bien sûr, mais c’est aussi l’histoire d’un mec qui part sur les routes du blues, là-bas, de l’autre côté de l’Atlantique. C’est une chanson blues funky, au sourire en coin, dédiée à son ami Chris Lancry.

    Et pour finir, je reprendrai simplement les propos élogieux du magazine RollingStone d’une grande justesse : Cet opus nous fait passer du rire aux larmes, de l’espoir à la fin éternelle, de la grandeur de l’homme à sa fragile humanité. Bill Deraime donne une grande leçon de blues, et vise juste.

    Enfin, sachez que Bill débutera ensuite une tournée anniversaire… et même si l’album est un vrai régal… Bill sur scène c’est tout simplement vrai et merveilleux !

     

     

     


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    DVD disponible à la vente ici

    Accepter naïvement et simplement la conversion au christianisme de son épouse quand on est journaliste d’investigation et athée convaincu… le défi peut s’avérer trop difficile à relever. C’est le point de départ du témoignage de Lee Strobel raconté dans le best-seller « The Case for Christ » sorti en 1998 que le réalisateur américain Jon Gunn vient d’adapter au cinéma, exposant là les questionnements possibles sur les preuves de la Résurrection du Christ. En salle le mercredi 28 février.

    affiche Jésus l'enquête

    Lee Strobel, journaliste d’investigation au Chicago Tribune et athée revendiqué, est confronté à la soudaine conversion de son épouse au christianisme. Afin de sauver son couple, il se donne l'ambition de prouver que Jésus n'est jamais ressuscité… Commence alors une enquête menée par un homme intelligent et déterminé à prouver le mensonge sur lequel une partie de l’humanité se fonde depuis deux mille ans pour nourrir sa foi. Comment réfuter les preuves de la Résurrection ? Lee se met à rencontrer des pointures de différentes spécialités, médecin, psychanalyste, pasteur, théologien, dans tout le pays, pourvu d’obtenir des réponses cartésiennes à ses interrogations. Les faits valent mieux qu’une possible illumination de la foi selon lui, basée sur un épisode pour le moins suspicieux rapporté dans la Bible par des témoins faillibles.

    Je l’avoue… C’est toujours avec certaines précautions d’usage que je vais découvrir une nouvelle production cinématographique d’un studio chrétien américain. Le passé m’a tellement souvent déçu, voir énervé avec des réalisations et scénarios qui souvent n’atteignent pas le niveau d’un téléfilm M6 de début d’après-midi avec leurs lots de caricatures en tout genre qui prouvent quand même une fois de plus que le ridicule ne tue pas malgré tout… Mais ne m’avouant pas facilement vaincu d’avance, c’est donc dans cette disposition plutôt critique que je me suis laissé convaincre d’aller voir, dans une projection privée et bien confortable, le nouveau film qu’allait distribuer SAJE Distribution dans les semaines à venir… Un film chrétien pas comme les autres, m’a-t-il été dit, inspiré du best-seller « The Case for Christ » sorti en 1998, que l’américain Jon Gunn s’inspirant du témoignage du journaliste Lee Strobel, venait de réaliser exposant ainsi la question des preuves de la Résurrection du Christ au cinéma.

    Et finalement, pas déçu du tout, bien au contraire. On ressort de ce film avec plusieurs sentiments en tête. Tout d’abord celui d’avoir passé un bon moment grâce notamment à un travail cinématographique soigné à tous égards mais aussi avec des questionnements bien portés à l’écran autour de la foi bien sûr, mais naturellement du doute aussi, avec toutes sortes d’autres aspects de la vie quotidienne qui trouvent place dans l’histoire… la vie de couple, le travail, le pardon, les blessures du passé, les faux semblants, la trahison…

    Jésus l'enquête le couple

    L’une des grandes réussites, il me semble, se situe justement dans le fait que si, comme son titre l’indique, la figure du Christ est bien au cœur du scénario au travers de cette enquête autour de la Résurrection, Jon Gunn a su intégrer d’autres entrées et ne pas se focaliser uniquement sur l’aspect religieux (ce que la bande annonce occulte hélas complètement d’ailleurs). Une enquête parallèle est menée par le journaliste nous conduisant dans les méandres des affaires policières américaines avec manipulations et erreurs judicaires… remises en question, crédibilité… tout ça au cœur de la rédaction du Chicago Tribune et dans les années 80. On retrouve certaines ambiances bien sympas à la Spotlight ou autres films du genre, avec une photo vintage extrêmement bien adaptée et quelques dialogues savoureux pas dénués d’humour et de sens du décalage. Il y a bien sûr aussi les questions personnelles qui se greffent, crise de couple, relations aux parents et au père en particulier… Alors tout ça apporte du crédit au scénario tant cinématographiquement qu’humainement car la foi, cette recherche d’une certaine Vérité ne peut se faire dans l’isolement du monde et de la vie…  La question de Dieu vient forcément influer sur toutes les dimensions de l’existence de celui qui se la pose.

    Jésus l'enquête

    Et puis donc il y a toute cette enquête autour de la Résurrection. “Le seul chemin vers la vérité ce sont les faits. Les faits sont notre plus grande arme contre la superstition, contre l’ignorance et contre la tyrannie” affirme le journaliste d’investigation tout au début du film. Une enquête menée naturellement à charge contre ce qui vient malmener cette vie bien construite de cet homme très sympathique convaincu d’athéisme (on comprendra d’ailleurs progressivement que cette posture a aussi des explications, des raisons propres… et cela aussi est intéressant). Et là, le réalisateur Jon Gunn frappe fort sans tomber précisément dans toutes les caricatures possibles et faciles. Les choses s’enchainent bien avec un rythme qui accroche le spectateur sans le lâcher et se permettant même, notamment avec le montage et la BO, de flirter avec le genre visuel de certains thriller religieux genre « DaVinci Code » ou « Anges et démons ». L’émotion n’est pas mise au placard non plus mais trouve une juste place sans exacerbation facile et pernicieuse. Et le tout, il faut le souligner aussi, est porté par des prestations de très bon niveau de l’ensemble des acteurs. 

    « Jésus, l’enquête » sortira en salles françaises à la fin de ce mois de février, précisément le 28. Le scénario est signé par Brian Bird et la photographie du film assurée par Brian Shanley. Les principaux acteurs sont Mike Vogel, Erika Christensen aux côtés desquels nous trouvons notamment aussi Faye Dunaway, Frankie Faison et Robert Forster.

    Jésus l'enquête le couple

    On pourra enfin souligner pour ceux qui pourraient être intéressés que SAJE Distribution propose gratuitement sur son site internet un dossier pédagogique qui pourra aider à animer une projection avec des adolescents ou des adultes, autours des questions de la foi confrontée à la science et de la vérité et des faits, vis à vis de la Résurrection du Christ.


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    Steven Soderbergh et Scott Frank se retrouvent 20 ans après leur film « Hors d’atteinte » afin de créer le premier western original de la plateforme américaine Netflix sous la forme d’une mini-série flamboyante de sept épisodes mêlant habilement l’ADN du genre à des thématiques contemporaines. 

    GODLESS

    Godless, c'est l'histoire d'une petite bourgade du Nouveau-Mexique, appelée LaBelle, fondée par des pionniers, où l'on ne trouve... que des femmes ! Les hommes sont morts à la mine, quelques mois plus tôt. Tous les hommes, ou presque. Ne restent plus en ville que le Shérif et son très jeune adjoint. Alors en cette fin de XIXe siècle, dans cette région encore indomptée de l'Amérique, les filles de LaBelle se retrouvent livrées à elles-mêmes, obligées de prendre leur indépendance et de s'émanciper. Ce que certaines acceptent naturellement, et d'autres moins. Mais tout va être remis en question par l'arrivée impromptue d'un cavalier grièvement blessé, en pleine nuit, aux abords du ranch d'Alice Fletcher. Roy Goode est un hors-la-loi. L'un des hommes de main du terrible Frank Griffin et de sa bande. C'est même le chouchou, le petit protégé du boss. Or, Roy a décidé d'arrêter la vie de Desperado. Il s'est fait la malle, avec le butin du dernier braquage. Fou de rage, Griffin met alors l'Ouest à feu et à sang pour le retrouver. Une traque impitoyable, qui va inexorablement le mener à LaBelle...

    Comme je l’évoquais en introduction, la grande force de cette série est de nous proposer là d’abord un vrai western épique avec tous les éléments incontournables (Chevauchées, paysages façonnés dans une immensité sauvage, musique country, fusillades, bagarres, rodéo, saloon, prostituées… oui il y en a souvent aussi dans les westerns, et puis des personnages typiques et divers – un hors la loi au grand cœur, une jolie fermière brut de décoffrage mais surtout aussi très fine gâchette, quelques indiens indispensables mais parfois drôles également, un chef de bande totalement psychopathe, un shérif amoureux à la psychologie un peu compliquée… et j’en passe !)…

    GODLESS

    Tout ça donc, très classique finalement, mais avec beaucoup plus encore. Je m’explique… Steven Soderbergh et Scott Frank nous livre une série extrêmement moderne et soigné avec un dimension esthétique remarquable. Le scénario tout d’abord permet à Godless de s’attaquer à un problème contemporain avec la place des femmes dans la société. Se pose la question de la nécessité de s’adapter, plus ou moins facilement, et surtout de gagner leur indépendance contre les « règles » établies. Se développe aussi tranquillement tout au long des épisodes de nombreuses thématiques comme évidemment la vengeance, les jugements à l’emporte-pièce qui enferment et détruisent, le racisme. On y parle de souffrances psychologiques mais aussi d’art, d’amour, de bienveillance. On y trouve en somme une vraie analyse sociologique de l’Amérique sauvage. Et puis on peut se poser aussi pour entrer dans une forme de contemplation grâce à une photo vraiment remarquable, avec des prises de vues léchées et du temps donné juste pour ça, amplifié par la somptueuse musique de Carlos Rafael Rivera. Et encore une fois tout ça avec un western âpre, brutal et sans concession au genre.

    GODLESS 

    Coup de chapeau bien sûr à la réalisation hors-pair de Soderbergh et Franck qui balancent avec virtuosité dans leur approche filmique entre Sam Peckinpah, Terrence Mallick, jusqu’à rejoindre dans un final explosif, infernal et en même temps éblouissant, l’immense Tarantino. Un vrai régal qui n’aurait malgré tout pas la même saveur sans ce casting prestigieux offrant dans la même série Jack O'connell, l’exceptionnel Jeff Daniels, les magnifiques Michelle Dockery et Christiane Seidel, mais aussi Scott McNairy, Thomas Brodie Sangster et l’excellente Merritt Wever.

    Bon et puis pour finir, même si cette mini-série est construite comme une saison unique, on peut imaginer, rêver que le succès rencontré pourrait finalement malgré tout donner des envies de reviens-y qui ne me déplairait aucunement… Mais cela, c’est une autre histoire !


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